Shogun: lealtad japonesa

Esta semana viajamos en el espacio y el tiempo hasta llegar al Japón de la época pre-Edo, a través de la serie Shogun, producto de FX que llega a la mayoría de las televisiones a través de Disney +.  Se basa en la novela de James Clavell publicada en 1975 y best seller del momento, que ya fue objeto de adaptación televisiva en los años 80, con el protagonismo de Richard Chamberlain y el gran Toshirō Mifune.

En este caso, y a falta del capítulo final, pues la serie regresa al concepto de "miniserie" sin continuaciones, podemos decir que, sin haber leído el libro ni visto la adaptación final, estamos muy agradecidas de que el Shogun de 2024 sea la serie que muchos llevábamos mucho tiempo esperando: aparentemente fiel al mundo del siglo XVII que representa, sin miedo a mostrar el choque culturarl de entonces y todo obviando los mecanismos actuales que se meten en series históricas (música anacrónica, puestas en escena modernas o personajes inclusivos y poco realistas con el momento).

Shogun cuenta la historia de John Blackthorne, un piloto inglés que naufraga en Japón, y que había sido enviado junto a sus compañeros en un navío holandés, para romper el monopolio portugués existente en el 1600, propagar el enfrentamiento católico-protestante en oriente, y empezar el imperio inglés. Su llegada al país nipón coincidirá con un periodo de casi guerra civil y lucha de clanes, que complicará más su supervivencia, en un entorno donde se le considera un "bárbaro".

La serie resalta porque en vez de centrarse en el protagonista inglés, se fija más en los miembros japoneses de los diferentes clanes y sus luchas. Tanto es así, que el idioma principal es el japonés, y salvo los momentos en los que hablan en "portugués" por cuestiones de la trama, hay que seguirla con subtítulos (salvo si se habla el idioma). Esto, que parece sorprendente en una serie producida por Estados Unidos, no lo resulta tanto, cuando se ve que en la producción también ha colaborado un equipo japonés. De hecho, uno de los actores principales, el conocido Hiroyuki Sanada, que actúa como Toranaga, es uno de los productores y para él la fidelidad histórica era uno de los pilares principales de esta producción (1)

Resulta una gozada, ver una serie que quiere ser rigurosa, que se siente más como una producción japonesa, de calidad cinematográfica, que como otro producto más comercial y hecho para las masas, porque además, nos muestra que hay otra manera de hacer las cosas, sin que resulten "pasivas" o "lentas", o poco apasionates. Aunque es verdad que al principio, para "venderla" dijeron que era la nueva "Juego de Tronos" (2), algo que incluso irritó a su director, Jonathan van Tulleken.

Sobre la historia y la producción, poco más voy a añadir. Ahora toca hablar de los actores y destaca Sanada y su corte,  porque todos son excelentes, resaltando Anna Sawai como Mariko, una mujer que os maravillará, que tiene su propio arco y no es una mera comparsa. Sobre Cosmo Jarvis, que hace de Blackthorne, afortunadamente podemos olvidar su participación en la terrible Persuasión de Netflix, y su interpretación nos puede recordar a Tom Hardy, como un tosco inglés de la época; en particular, me gustaría verlo en otros roles para confirmar si su "confusión" se debe a que quiere compartir la de John, o es su manera de actuar. De los demás, todos son muy profesionales, destacando por su carisma Takehiro Hira (Ishido), Tadanobu Asano (Yabushige), Tommy Bastow (Padre Martin Alvito) o los 10 minutos que aparece Nestor Carbonell como el español Vasco Rodrígues.

Poco más quiero decir de la serie, salvo que la veáis y os aseguro que la vais a disfrutar tanto que ni se os va a ocurrir haceros el hara-kiri, perdón, el seppuku.

Carmen

Fuentes:

1. https://eu.usatoday.com/story/entertainment/tv/2024/02/28/shogun-producer-hiroyuki-sanada-interview/72702443007/
2. https://as.com/meristation/noticias/shogun-no-es-como-juego-de-tronos-su-director-prefiere-compararla-con-estos-exitos-n/

Griselda

Después de ver Griselda, he decidido que no me voy a hacer narcotraficante. ¿Que ganas dinero? Sí, pero llevas una vida muy perdulable, como decía una paciente mía. Además, os advierto que es un mundo completamente dominado por el heteropatriarcado. Pero os lo voy a contar despacio. La serie está basada en la vida de Griselda Blanco, una mujer colombiana que controló el tráfico de drogas en Miami entre los años 70 y 80. Por supuesto, la serie se permite bastantes licencias respecto a la vida real de esta mujer, pero los datos fundamentales son ciertos. Una cosa queda clara en la serie: para ser narco tienes que estás dispuesto a matar y a morir. Puedo entender que gente que vive en una situación de pobreza y rodeados de violencia lo acepte como medio de vida. En realidad, tienen poco que perder. La vida, pensaréis, pero no parece tener mucho valor para esta gente, es como si estuviera asumido que vas a morir joven, por lo tanto, hay que exprimir la vida a tope el tiempo que tengas. Me resulta más difícil de entender que no cojan más apego a la vida cuando ya se han hecho capos del tema, tienen un montón de dinero y una familia. A la protagonista le aconsejan varias veces que se retire, pero no sé si es por ambición, avaricia, amor al riesgo o venganza, siempre decide seguir. Yo hubiera esperado un comportamiento más conservador de los que están arriba, de establecer unas normas del juego que les proporcionen algo más de seguridad, pero se ve que esto no funciona así. En la serie vemos llegar a la protagonista a Miami con sus tres hijos después de matar a su marido. En la maleta lleva un kilo de coca para vender. ¿Os imagináis llegar a una ciudad que no conoces y donde no sabes cómo funciona el negocio e intentar vender la coca? El personaje queda retratada como una psicópata, pero no hay duda de que tenía valor. O desesperación. O las dos cosas. Sofía Vergara borda el papel. Está irreconocible. Construye un personaje que es una fuerza de la naturaleza, capaz de levantarse tantas veces como la derriban, inteligente, ambiciosa y sin ningún escrúpulo. Además de ser un mundo cruel y despiadado, es también un mundo completamente machista y que una mujer pretenda tener algún control resulta inadmisible para los narcos. Ella construye su imperio con el apoyo de un grupo de prostitutas que trabajan como sus mulas y un ejercito que constituye con marielitos que le son muy fieles. Otra que sufre el machismo en sus carnes es la policía que quiere resolver el caso. En la comisaría consideran que una mujer está en comisaría para hacer café y fotocopias, y se tendrá que dejar la piel para poder seguir adelante con el caso. Otra cosa que me fascina de la serie es la ambientación y, sobre todo, el vestuario y maquillaje. Es una vuelta al pasado muy lograda, imaginad un mundo de lujo ligado al tráfico de drogas en el Miami del 75 al 85. Ríete tú de Corrupción en Miami. Un despliegue de rasos, oros, casas con piscina y melenas a lo Farrah Fawcett. El director de la serie es Andrés Baiz, del que no he visto ninguna película, aunque Satanás ganó en el Festival de Montecarlo en 2007. Los actores están todos muy bien y hay alguna cara conocida entre nosotros, como Ernesto Alterio y Victor Ammann. Son solo seis capítulos y, aunque no es un tema novedoso, el hecho de que la protagonista sea una mujer en esos años, le aporta más interés. En la verdadera historia de Griselda Blanco, tres de sus cuatro hijos murieron asesinados y ella también a los 69 años, lo que se considera ser longeva para una traficante en activo. Como os he dicho, no me haré narco que me quedarían dos telediarios.

Se les fue la mano, aunque sea de hierro

No quiero repetirme, pero lo debo hacer una vez más. En mis últimas contribuciones he venido hablando de las series para plataformas de televisión y su gran momento. Hay una especie de edad de oro de las series, pero eso también significa que, entre tanta producción, suela haber bastante ejemplar mediocre. Yo deseaba poder hablar aquí de una seria epatante, pero acabo de ¿consumir? algún que otro gato que me habían vendido como liebre.

Destaca el gris...En todo.

Cierta plataforma televisiva  ha estrenado, y publicitado, una serie de acción española, trufada de grandes nombres en su reparto. El tráiler es trepidante, pero la serie pierde gas desde el primer capítulo. La sinopsis es la siguiente: Joaquín Manchado, also known as "el manco" (Eduard Fernández) es un hombre hecho a sí mismo, como nos demuestran los recurrentes flashbacks, que es el que maneja a su antojo el puerto de Barcelona, tanto en negocios legales como ilegales. No pasa nada en su puerto que él no sepa. Su familia convive y trabaja con y para él, desde su hermano Román (Sergi López), sus hijos (Enric Auquer y Natalia de Molina) y su yerno (Jaime Lorente).

La serie lleva el nombre de su personaje, pero no el peso.

La trama es tan clásica que sabes lo que va a pasar y eso le quita interés. Cada personaje, masculino, por supuesto, ya que las tres o cuatro mujeres que tienen letra en la serie hay poca cosa que reseñar, y es que en este campo de nabos las mujeres no dejan de ser una mera comparsa y se limitan a ser: la hija del jefe (Natalia de Molina), la hija y hermana de un gángster mexicano (Giannina Fruttero),  la puta de lujo a la que babosea el hermano  gregario del jefazo (María Belmonte), una secundaria misteriosa que tiene alguna escena al final de la serie inacabada (Melina Matthews), o el papel que se queda a medias de personaje importante que hace su aparición con cuentagotas (Ana Torrent)

Sergi López hecho un cristo.

Así que entre explosiones, tiros, sangre, palizas, puñaladas literales y de las figuradas, también, flashbacks fallidos que intentan explicar el por qué de la violenta situación actual, ambas tan falsas como una sonrisa de vendedor profesional, la serie va perdiendo fuelle. 

Las subtramas no están demasiado logradas. Chino Darín en plan ONG.

Hablando de flashbacks, sitúan los inicios del imperio del joven advenedizo que será "mano de hierro" en un puerto de Barcelona irreal que convierte a los estibadores en mafiosos que viven en una especie de gueto chabolista (Que quieren hacer pasar por lo que fue can Túnis, actual zona donde se aposenta "Mercabarna"). Entiendo que quieran mostrar un pasado oscuro y peligroso de un puerto corrompido, pero es que no da el pego.

Sicarios mexicanos, bueno, Raúl Briones, sí, su hermana, Giannona Fruttero es de bastabte más al sur.

En resumidas cuentas. Hay un conflicto con un cargamento que entra a puerto en el que se ven envueltos el mafioso local que tiene untado al picoleto que comanda el cuartel (Se agradece ver a Salva Reina en un registro que no es el habitual), a los mafiosos italianos, a los sicarios mexicanos (Aunque la peligrosa mexicana sea chilena) y a los arribistas que quieren dar el golpe de su vida. Nada demasiado original, que, además cumple con la estafa, no ya de dejar algún cabo suelto para una segunda parte, sino de no resolver absolutamente nada dejando muy descaradamente todo inacabado, lo cual es indignante. 

Juli Gan

Carles Porta, el maestro del true crime

Si tienes una mínima afición por el true crime, seguro que conoces a Carles Porta y seguro que, como yo, lo consideras un maestro del género; así y todo, espero en este articulito darte algunas pistas. Y si no lo conoces, enhorabuena: tienes mucho bueno por descubrir. No puedo hacerte una mejor recomendación.

Carles Porta ha cultivado y cultiva el true crime en, que yo sepa, al menos cuatro formatos: exposición, podcast, libros y series de televisión. No voy a hacer un repaso exhaustivo de toda su obra; si la queréis más o menos completa, visitad su entrada en Wikipedia.

Crims, l’Exposicio permaneció abierta en el Palau Robert de Barcelona entre el 25 de octubre de 2022 y el 10 de abril de 2023, con gran éxito de público. Lamentablemente no pude visitarla, así que no puedo contaros mucho más sobre ella; solo que no estaría mal llevarla por provincias y por provincias me refiero a enfrente de mi casa.

De sus podcasts tampoco os voy a decir gran cosa, porque no los he escuchado; tiene unos cuantos, pero yo solo os voy a citar el que se titula ¿Por qué matamos? y tenéis disponible en Audible.

De los libros, en cambio, os podría decir mucho, porque son todos interesantes, pero, como este es un blog de cine y televisión, me limitaré a recomendaros Tor. La montaña maldita (Anagrama, 2006), sobre los crímenes cometidos en esa bellísima y diminuta aldea leridana, fronteriza con Andorra; La farmacéutica. 492 días secuestrada (Reservoir Books, 2021), sobre el caso de Maria Ángels Feliu, de Olot; y, por supuesto, la saga Crímenes, que tiene varias entregas y una versión televisiva de la que vamos a hablar ahora.

Crímenes es la obra estrella de Porta, una serie televisiva de tres temporadas que recoge episodios (unos sencillos y otros dobles) sobre asesinatos cometidos en Cataluña. Los hay de todo tipo, más o menos recientes, más o menos vulgares (de móvil económico) y más o menos perversos; muchos resueltos y otros, los menos, sin resolver. A mí me han impresionado especialmente un par de asesinAs en serie de ancianas que actuaron en Barcelona y la tremenda cifra de chicas jóvenes víctimas de la violencia sexual contra las mujeres.

Añado otras dos series suyas también muy recomendables. La primera, además de recomendable, llega a ser imprescindible. Me refiero a El crimen de la guardia urbana, el famoso asesinato de un agente de la Policía Local de Barcelona, a manos (iba a añadir “presuntamente”, pero no: ya están juzgados y condenados) de otros dos. Este crimen real, que ha dado pie posteriormente a otra serie de ficción, El cuerpo en llamas, se trata en tres episodios: el primero recoge la versión de la condenada Rosa Peral; el segundo, la del otro condenado, Albert López; y el tercero intenta ofrecer una visión objetiva de los hechos. Como podéis imaginar, si el asunto ha dado tanto pie audiovisual, es porque tiene mucha tela que cortar.

La otra serie de Porta que os voy a citar es Luz en la oscuridad, en la misma línea de Crímenes, pero rebasados los límites geográficos de Cataluña. Son cuatro episodios sobre dos casos muy diferentes: uno reciente, de 2019, el asesinato en Zaragoza de un informático de Getxo que había acudido a una cita a través de una aplicación de internet; y otro de hace casi cuarenta años, pero que no pierde actualidad: la desaparición de David Guerrero, el niño pintor de Málaga.

Como dice el prologuista de uno de sus libros, Porta reúne las tres erres imprescindibles para que un true crime sea un producto brillante y digno: rigor, respeto y ritmo. Esas tres palabras lo dicen todo, pero me apetece añadir que Porta mantiene un tono sobrio y a la vez apasionante; no supera nunca los límites de la tragedia, no se recrea jamás en el morbo ni en el mal gusto; a veces hace gala de un humor negro nunca hiriente y siempre elegante; e impone un ritmo narrativo, una manera de contar historias, que resulta amena, nunca embrollada, sencilla y absolutamente eficaz.

Como te decía al principio, si te gusta el true crime, no puedo hacerte una mejor recomendación. Sin más, te saluda tu amiga

Noemí Pastor

Emily

Escrita y dirigida por Frances O´Connor y estrenada en 2022, es una ficción basada en la vida de la escritora británica Emily Brontë. Impacta la interpretación de la actriz protagonista. Emma Mackey es Emily y Emily es la película. La sutileza de sus expresiones faciales y de todo su lenguaje corporal es sublime. Sorprende la cantidad y variedad de emociones, sensaciones y matices que es capaz de transmitir, hasta el punto de conseguir que no solo sepamos lo que piensa, sino que podamos imaginar lo que imagina. (Si bien, no deja de resultar un poco paradójica esa expresividad sin palabras para recrear a una escritora). La película indaga en el mundo emocional de la poeta y novelista. Revela tanto sus afectos —familia, amor y escasas amistades—, como sus temores, en especial una fobia social que, al parecer, padecía. Sus vivencias peculiares e intensas en torno a la literatura. Sus coqueteos con el opio, sus inquietudes como mujer, su rebeldía en defensa del libre pensamiento frente al dogmatismo religioso imperante en la época y, sobre todo, su gran talento y su naturaleza explosivamente creadora. Otro gran logro es la estructura narrativa. Está dividida en cuatro bloques, que sin tener nada que ver con las cuatro estaciones o las cuatro edades, sí resulta fácil ver un paralelismo con esos esquemas. Aunque abarca unos pocos años de la vida de la escritora, todos de su juventud (falleció a los 30), logra mostrar una primera etapa más infantil en la que vive vinculada a sus hermanas y llena de ilusiones de futuro. Una segunda fase de rebeldía juvenil marcada por la influencia de su hermano. En la tercera, la plenitud del amor. Mientras que la última refleja una madurez presidida por el dominio de sí misma. Dentro de cada bloque, las escenas se suceden como si fueran capítulos, con su planteamiento y su desenlace, o como relatos breves, cada uno con una historia para el espectador. Algunas de ellas son poemas, como la de la lluvia o la de las sábanas tendidas. Me parece remarcable la audacia del planteamiento estético. Con una mezcla de elementos de distintos géneros —cuento de hadas, ambientación tradicional de la época victoriana, terror, magia, efectos teatrales...— logra una combinación exquisita de arte y naturaleza en su estado más salvaje. Es la misma dualidad que encarna la propia protagonista y que se advierte en todos los detalles: peinado, vestuario, y atrezzo —máscara, sábanas...—. Además de las artes que explícitamente se muestran —literatura y música— en cada escena se aprecia la belleza y genialidad de las aportaciones pictóricas, una fotografía exquisita y de las coreografías que subyacen en el movimiento de actores y actrices. (No bailan, evolucionan de forma coordinada y armónica). La música merece un comentario aparte. La banda sonora es obra del compositor polaco Abel Korzeniowski y se adapta como una segunda piel a la mirada de Emily. Explica, anticipa, enfatiza, advierte o acompaña en determinados momentos. En otros, simplemente, crea magia. También contribuye a la grandeza del conjunto el resto del reparto. Oliver Jackson-Cohen, que interpreta a William Weightman; Fionn Whitehead como Branwell, Alexandra Dowling como Charlotte y Amelia Gething como Anne, los otros tres hermanos Brontë. No sé, ni considero relevante si la historia se ajusta o no a la auténtica biografía de la escritora, porque sería igual de magnífica si la protagonista fuera de ficción, pero tiene el valor añadido de que al terminarla —un poco abducida, creo que se me nota en el vocabulario de esta reseña— te entran unas ganas incontrolables de releer Cumbres Borrascosas. Almudena Fernández Ostolaza

Un amor

 

La última película de Isabel Coixet no se ha llevado ningún goya pero sin embargo, se merecía más de uno en mi opinión.

"Un amor"( 2023) está basada en el libro homónimo de Esther Mesa. Nos cuenta la historia de Nat ( Laia Costa) que es una traductora que escapa de la ciudad a un pueblo del interior de Aragón para reconducir su vida.

Aviso que ahondaré en la trama y los personajes. Si alguien no ha visto la película y no quiere detalles puede aplazar la lectura de esta reseña ahora y retomarla una vez haya visto la película.

El idílico mundo rural, a menudo tan idealizado por los urbanitas,  acogerá a Nat con desconfianza e incluso con hostilidad y poco a poco se irá dando cuenta de que el entorno no es tan bucólico y apacible como en un principio prometía. En este  contexto, su casero (Luis Bermejo) se mostrará grosero e incluso agresivo y recibirá una insólita propuesta sexual por parte de otro vecino conocido como "el alemán" (Keuchkerian) a cambio de unos arreglos caseros en la casa que ha alquilado y que literalmente se cae a pedazos.

Nat se verá inmersa en una relación pasional con " el alemán" que le hará plantearse qué clase de mujer es o qué clase de mujer creía ser.

De esta manera, primero Mesa y después Coixet nos dejan una reflexión sobre la devastación del amor, la contraposición del apego evitativo con el apego dependiente, la soledad, el poder del deseo casi animal como una fuerza poderosa e irracional que escapa por completo a nuestro control y nos lleva por derroteros insospechados que no pensábamos podríamos llegar a transitar.

"Un amor" es una película honda, compleja, con muchas capas y larga digestión. Os aconsejo la veáis en compañía porque da lugar al debate, a la reflexión, al intercambio de impresiones , es de las que te deja varios días con el personaje de Nat en la cabeza, o al menos eso me pasó a mí.

En un entorno en el que se suceden las micro-agresiones por parte de los habitantes del pueblo, Nat a veces soporta estoicamente los embistes de los demás y otras ella misma deja sacar a la luz el lado más oscuro de su condición humana, cual animal apaleado que ataca de manera inesperada por efecto de acumulación.

Es ese baile tribal de Nat al aire libre bien se podría ver como un momento de liberación y catarsis tras una verdadera tortura psicológica por parte de casi todos, incluida de ella misma. Un baile que nos podría llevar, tal cual le pasó a mi prima con quien vi la película , al Joker de Joaquín Phoenix en ese descenso a los infiernos bajando por las escaleras.

Ese mismo descenso a los infiernos es el que transita Nat en esa turbia y perturbadora relación con el alemán , objeto insospechado de deseo en un abismo de soledad y decadencia del que es muy difícil escapar.¿ será cierto eso de que siempre ansiamos aquello que no podemos tener? ¿ qué educación emocional hemos vivido en general y las mujeres en particular para no ser capaces de anteponernos, de levantar el estandarte del amor propio y la dignidad cuando el deseo nos tiende la trampa del triple salto mortal en el momento en que sólo recibimos rechazo e indiferencia?

No quisiera olvidarme de otro personaje masculino que parece inofensivo y también esconde condescendencia y crueldad bajo un halo de formas políticamente correctas y sin embargo alberga todo un abanico de gestos pasivo agresivos. Peter (Hugo Silva)es ese personaje que a menudo encontramos en los pueblos pequeños, alternativo y artesano, narcisista sin embargo tras ese discurso complaciente de "buen rollo", con el ego hinchado e incapaz de empatizar, de respetar el espacio ajeno, invasivo y moralista, desleal.

No hay tregua para la forastera, la progre que viene de la ciudad  con no se sabe qué intenciones. Y es así, tal cual el perro que adopta, que el animal herido, también se convierte en agresor en el momento más aleatorio e inesperado.

Isabel Coixet nos deja un relato interesante y perturbador de la condición humana, la maldad que habita en tod@s, el deseo animal, el amor y el desamor, la sociedad que atenta contra la libertad individual y la dependencia que transita donde habita el desapego.

No os la perdáis porque lejos de dejaros un mal sabor de boca, como diría Leonard Cohen , en todo hay una grieta por la que entra la luz.

Troyana 

Sala de profesores

Desde que vi el tráiler, decidí que quería verla. Es curioso el efecto que esos fragmentos de película te provocan. Los hay que te hacen jurar que jamás irás a ver eso, otros que te ilusionan y luego defraudan y algunos que resultan interesantes y muestran lo que de verdad te van a ofrecer después. Este es el caso de Sala de profesores, una película alemana dirigida por Ilker Catak. Este joven director (40 años, para mí un pipiolo) es hijo de inmigrantes turcos y vivió parte de su adolescencia en Estambul. Al terminar la escuela regresó y estudió cine en Berlín. Ha dirigido cuatro películas de las que no he visto ninguna. Ni siquiera estoy muy segura de que se hayan estrenado aquí. Sorprendentemente, Sala de profesores está nominada a los Óscar, lo que no es muy frecuente en películas pequeñas, sin gran presupuesto ni nombres muy famosos detrás. Catak nos cuenta una historia sencilla, pero de gran interés. Una joven profesora está haciendo una sustitución en una escuela. Es la tutora de un grupo de alumnos de doce años a los que da clase de Matemáticas y Educación Física. Es una mujer implicada a la que importa hacer bien su trabajo y que se interesa por sus alumnos. Discrepa en algunas decisiones del resto del claustro que emprenden acciones más que moralmente dudosas para descubrir quién está detrás de unos robos. Todas las críticas dicen que el director se sirve de un problema escolar para mostrar grandes problemas sociales: racismo, machismo, clasismo. Seguro que es cierto, todas las pequeñas organizaciones sociales lo hacen. En cualquier ámbito de trabajo, en una comunidad de vecinos o en un equipo deportivo podemos ver estructuras de poder, recelos hacia lo diferente, conductas de sumisión o rebelión. Lo que comienza como un pequeño incidente, va aumentando de tamaño y colocando en el centro a una profesora que comete un error, pero es que la que más se preocupa por los alumnos. Podríamos decir que, con la mejor de las intenciones, acaba siendo el origen de todos los problemas. Al margen del reflejo social que supone la película, a mí también me parece muy interesante la imagen de la enseñanza que proporciona. La actitud de falta de respeto de los alumnos hacia los profesores, incluso a edades muy tempranas; la dificultad de mantener un mínimo de disciplina; el estatus de los profesores jóvenes o nuevos, a los que los demás tachan de inocentes y utópicos; la actitud de los padres, que nunca quieren reconocer que el problema está en sus hijos. Está muy bien que se haya abolido el sistema educativo basado en el miedo, la represión y el castigo, pero no sé si hemos sabido construir un modelo alternativo. La película muestra una escuela con un número escaso de profesores que, además, están cansados, desmotivados y perdidos. Me recuerda también a los problemas actuales de la sanidad, sobre todo de la Atención Primaria. Deberíamos tener mucho cuidado con las cosas importantes. Da para un rato de reflexión y comentarios pospeli, como cuando hacíamos cinefórum (allá por la prehistoria). Leonie Benesch está estupenda en el papel de Carla, la joven maestra protagonista. No me sonaba de nada esta actriz, pero he descubierto que aparece en películas como La cinta blanca y en series como The Crown y Babylon Berlin. Me parece muy acertado el final de la película. No voy a hacer ningún spoiler, pero creo que es el cierre correcto. Sin duda, la recomiendo.